内容摘要：乐感是钢琴演奏的灵魂，如何培养学生的乐感，一直是钢琴教学中的一个值得研究的重要课题。乐感有许多先天的因素，但也是可以培养的，后天的培养至关重要。在钢琴教学中，要重视开发学生的乐智、培养学生的乐感。文章从钢琴作品学习的角度探讨和研究了如何对学生进行乐感的培养。
关键词：乐感 感性认识 理性认识 音乐要素
乐感是指对音乐的理解力和感受力。乐感是钢琴艺术演奏的灵魂，又是决定音乐专业学生学习成绩优劣的关键因素。
一、从感性认识入手，培养学生乐感
（一）从多学、多听中培养乐感
在世界上，任何事物都不是孤立的，钢琴音乐也不是孤立的文化现象，它是伴随着人类文明和艺术史发展起来的。钢琴音乐作为一种文化现象与其他各类文化息息相关，特别是在科学技术、文化教育高速发展的今天，音乐各门类之间、与其他艺术之间以及与科学之间的渗透、交叉、互补已成为人们的共识。因此培养学生的乐感，首先要让他们多学、多听。
1.多学、多听专业知识
钢琴作品浩如烟海，没有顽强的毅力，是难以涉入这一领域的。学生除了在课堂上学习专业知识外，还应让他们有计划地自学一些古今中外的钢琴作品。同时，由于科学技术的进步，各种音乐传媒手段和工具的增多为欣赏音乐带来了方便，教师可以为学生营造优良的音乐环境，组织他们聆听大量的音乐，从内心自我培养乐感。
2.多学相关知识
钢琴艺术并不是独立于其他艺术的艺术，各类艺术之间是相辅相成的，知识之间有一种互依互促的关系，知识可以触类旁通，能力有时会自然迁移。比如，学习民族民间音乐，会传神地展示中国钢琴音乐的东方神韵，而戏剧的严谨性、诗歌精炼的语言和深刻的寓意以及美术的线条和色彩等，都可以从中受到启迪。
3.多学文化知识
一个人的文化修养与对外部事物的理解能力和接受能力有直接的关系。如文化修养不足，在诠释和演绎钢琴作品的能力上均会受到很大的局限。纵观享誉乐坛的钢琴家，他们无不具有深厚的文化功底和良好的艺术修养。钢琴艺术这棵大树，只有深深根植于世界文化艺术的肥沃土壤之中，方能枝叶繁茂、硕果累累。
（二）在艺术实践中培养乐感
乐感，有一部分来自钢琴作品演奏技巧的勤学苦练，能使学生在熟能生巧的过程中去“悟得”艺术的精髓，让学生在练琴中渗透进“技巧”和灵感的因素。
现代演奏观所要求的演奏，不仅仅是“煽情”或“催人泪下”，还要体现智慧和修养。因此，乐感不能停留在一个层面上，更不能依赖于转瞬即逝的灵感。因此，教师应多为学生提供艺术实践的机会，如过台、排练、预演、伴奏和音乐会等。同时，在演出前要帮助他们充分做好心理和技术上的准备，演出后帮助他们做好总结，这样，学生的乐感才会不断得到深化和升华。
二、将感性认识上升到理性认识，深化和升华乐感
（一）通过标题音乐作品的学习，深化和升华乐感
钢琴作品中的标题音乐，有文字标题，有明确的内容、情绪、意境以及生动的联想，这些都有利于拓宽学生的思维空间。只要教师认真辅导，他们是能理解作品内涵和表达作品内容的。如布格缪勒的《行猎》，是一幅乡村庄园的狩猎图，作品中左手和弦推进，好似几支号角同时吹响，宣布打猎开始。右手跳进重复音，犹如马蹄声声，表现猎手奔驰追逐的情景。
（二）通过非标题音乐作品的学习，深化和升华乐感
钢琴作品中的非标题音乐，是纯音乐，其音乐形象全在音乐自身，存在着不可预见的隐藏因素，有赖于由表及里的认知过程，这对学生来说有一定的难度。理解非标题音乐，要依赖学生对音乐语言的理解能力，也就是理解作品中的音符和一切记号背后的含义，进一步深入作品内涵，了解作曲家的意图。
如克莱门蒂的《C大调小奏鸣曲》第一乐章（谱例1）。
第一乐章非常典型，曲首标明是快板。由于要表现主题的精神，应加强节奏的重拍，即突出第一拍，要有明确而鲜明的节奏感。乐章的副题也很典型，生动活泼。学生学习这首作品，理解了作品中的意境，又能正确表达其中的意境，这本身就是升华了他们的乐感。
（三）理解钢琴作品中的要素，深化和升华乐感
钢琴作品中的诸要素，是组成和表现作品内涵的重要因素。学生学习、理解作品中的要素，就是理解了作品中的音乐内涵，也就是在培养和升华自己的乐感。钢琴作品中的要素很多，本文只从以下几例中进行研究。
1.乐句与呼吸
乐句，是构成乐曲的一个具有特性的基本结构单位，理解乐句就是理解乐曲。乐句由长短、高低不同的音组成，句分句头、句尾和句中心。弹奏时，句头要清晰，句尾要收，句中间有起有伏。理解乐句要理解其性格、气质、风格，看清乐音运动的走向、趋势、逻辑关系，懂得乐句的涵义。
呼吸在钢琴弹奏中是极为重要的。呼吸有大有小、有深有浅，这由作品中的音乐性质决定。如莫扎特的《C小调奏鸣曲》第三乐章（谱例2）中的两个延长号地位不同、作用不同，演奏者的心理感受也就不同。因此，两个休止符的时间长短不完全相等，休止符后面的呼吸也不同。第一个休止符后面紧接着的音乐是更强烈而不稳定的，因此休止符不宜过长，呼吸也应较短促。第二个休止符是为后面感叹性语调的音乐做准备，音乐性质转化大，要有较长的休止和较大的呼吸。呼吸也可以由手的一些动作来帮忙，但是，起决定作用的却是乐感。
2.层次与比例
层次感是学生必须具备的，没有鲜明的层次感，是不可能表达作品内涵的。在复调音乐中，各声部之间构成复杂的层次关系。在现代音乐中，每个音符都可能代表着一个完全不同的层次。乐曲的层次要用理性分析，清楚地感到乐曲的各种变化，并用想象力去解释和调整音响层次的各种变化，演奏就会更生动而鲜明。
在钢琴演奏中，旋律和伴奏要独立完成，两手的比例要安排恰当。加之多数伴奏由左手担任，伴奏数量又大，伴奏部分中低音区，其弦比音高要粗而长，加上左手不如右手灵活，掌握起来困难就更大了。正确的弹奏是：手指应贴键轻轻地弹，旋律要亮些，声音要透出来，把旋律和伴奏的层次大大拉开，声音才有主次、远近和立体感。如果左手弹旋律，右手弹伴奏，强弱原则是一样的，此时左手应多些重量，以发挥低音区浑厚的特点，右手轻轻地弹，这样层次和比例就显示出来了。
3.力度和幅度
力度，是指声音的强弱程度、轻重程度、大小程度。力度，由强到弱有许多档次和层次。音乐中的情绪有明有暗、有升有降、有急有缓，凡此都会带来力度的变化，这些不是音乐的外部形态，而是表现音乐的重要内容。学生必须具备弹奏音乐不同力度的能力，才能表现出生动的富有表情的乐曲。如李斯特的钢琴曲《弄臣》（谱例3）中上声音部高八度跳音，描写玛德琳娜对公爵的蔑视和嘲笑，紧接下来是吉尔达痛苦的抽泣和强烈的愤怒，声部层次的强弱处理与之形成鲜明的对比，这一高一低、一强一弱的力度，将两个女人的不同性格刻画得淋漓尽致、入木三分。
幅度既包括音量从最弱到最强的最大可能性，也包括感情起伏变化的最大可能性。演奏时应有刚有柔、有动有静，把感情变化的幅度拉开，并在艺术上表现出来。
4.和声与调性
在音乐中，和声的序进、和声的色彩、和声的紧张和松弛、和声的游移和肯定等，都会对音乐的表现起到至关重要的作用。音乐中和声色彩的变化，常决定音乐段落中某些表情的变化，有些和声还决定旋律的表情。和声学能帮助学生理解和声语言、懂得和声语法的规律，从而把和声弹得更有逻辑、更有说服力。
不同调性有不同的特性和色彩，一般来说，大调明朗、小调温柔，大调快乐、小调伤感，也有大调清淡些、小调浓厚些的处理。调性的选择是从作品的内涵需要出发。如肖邦的《黑键练习曲》（OP 10、NO.5）是bG大调，而不能用G大调，因为G大调太亮，不符合作品的内涵，而bG大调略带忧郁的暗影，适合作品的内涵。
从以上分析可以看出，钢琴作品中的要素不是音乐中的外部形态，而是表现音乐的重要因素。理解这些要素，就是理解作品的内涵，也就是在培养和升华乐感。
乐感，是不可以教的，却是可以培养的。钢琴教师应帮助学生长期坚持多学、多看、多听、多实践，从广听博闻中培养、升华自己的乐感，这是自我培养且不断升华乐感的有效方法。
作者单位：西华大学艺术学院
（责任编辑：轩蕾）
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